Baú do Zanini

Laurel Canyon - a principal vizinhança do rock

2011-09-14T17:43:00.000-07:00

Num sábado de primavera na California, peguei o carro e rumei a Laurel Canyon, uma linda vizinhança que separa Hollywood de San Fracisco Valley. Numa visita apressada, o lugar não oferece muito mais do que ruas íngremes, uma avenida perigosa de trânsito rápido, casas de madeira de dois pisos e inúmeras árvores. No entanto, em meio a cada rua daquelas viveu alguém notável na história da música. Frank Zappa esteve por lá desde 1968 até sua morte, em 1993. Laurel ainda serve de moradia para John Frusciante, ex-Chili Peppers e George Clooney, por exemplo.
Mas a grande ligação entre Laurel Canyon e as nossas prateleiras de discos, ou com nossas pastas de mp3, está no final dos anos 60 e início dos 70.
Foi uma época em que os artistas iam morar lá para compor e gravar discos inteiros, na grande maioria clássicos. Joni Mitchell, John Mayall, Joe Cocker, Canned Heat, Buffalo Springfield, Crosby Stills, Nash and Young, Jim Morrison, Jimi Hendrix, todos passaram pelas montanhas em meio a momentos inesquevcíveis de suas carreiras. Talvez a canção mais emblemática que tenha saído de Laurel Canyon é "Our House", em que Graham Nash narra a beleza das coisas simples de sua vida com Joni Mitchell. Impossível é não se emocionar ao circular pelo lugar.

Alguns vão citar Haight Ashbury, em São Francisco, como a vizinhança definitiva do rock nos Estados Unidos. Meus caros, na minha humilde opinião serei obrigado a discordar e afirmar que nesse quesito, o título vai para Laurel Canyon.

Por esse Clapton, eu pagaria R$1.000,00

2011-09-04T20:05:00.000-07:00

Poucos artistas tiveram carreiras e biografias tão oscilantes quanto Eric Clapton. Nascido em meio aos bombardeios ecoantes da 2ª Guerra Mundial, o guitarrista nunca conheceu o pai, duelou contra seu ego nos anos 60, e contra a heroína na década seguinte. Sobreviveu a isso, mas se afundou no álcool e, em fase de recuperação, perdeu um filho ainda criança. Tudo antes dos 50 anos.

Claro que essa breve síntese trágica da vida de Eric Patrick Clapton serve para enaltecer a grandeza de sua obra que, mesmo com tantas adversidades, se manteve sólida ao decorrer das décadas. E em vez de falar dos êxitos de Cream, Layla, Unplugged MTV e outros pontos altos, vou me deter em um pequeno fragmento da discografia de Clapton.

Lançado em novembro de 1978, o disco Backless pode passar batido em alguma lista de grandes discos de Eric Clapton, mas aposto que, após uma única audição, passa a integrar o playlist de quem aprecia um blues rock com requinte pop. O álbum começa com a bela "Walk Out in the Rain", de Bob Dylan, em que comprova o quanto Clapton estava centrado nas canções, deixando um pouco de lado o rótulo de Deus da guitarra, embora o solo de slide seja excelente. Na sequência, "Watch Out For Lucy" é pura festa, um shuffle alegre, daqueles de ouvir com algum aditivo alcoólico por perto (de leve, é claro). Dylan reaparece na não menos classuda "If I Don't Be There by Morning". O blues dá as caras de duas formas: a mais arrastada, com "Early in The Morning" e botando a casa abaixo com "Tulsa Time". O sucesso comercial de Backless é a faixa "Promises", que aparece em algumas coletâneas de Clapton.

Em resumo, Backless é daqueles disco com a cara dos anos 70, em que a gente não sente vontade de pular nenhuma faixa. Genialidade não há, é verdade, e talvez esse seja o grande barato desse disco. Aqui a simplicidade de Eric Clapton se sobressai em relação às amarras egocêntricas de outras fases de sua carreira. Por esse Clapton eu pagaria R$1.000,00 em um ingresso para show.

Para valorzar o lado compositor de Eric Clapton, a canção que escolhi para ilustrar o post é "Watch Out For Lucy":

Direto da Guitar Player Brasil: Paul in POA

2011-09-03T14:27:00.000-07:00

Já se passaram quase dez meses daquele domingo escaldante e histórico em Porto Alegre, quando Paul McCartney irradiou paz em território gaúcho. Foram quase três horas de apresentação que ainda fazem eco nas mentes e corações dos 50 mil presentes no estádio Beira Rio. Eu também estava lá, e compartilho aqui a matéria que fiz para a Guitar Player sobre o show e a emoção vivida.

"Desde oanúncio do show de Paul McCartney em Porto Alegre, uma onda beatle se espalhou pelacapital gaúcha. Nos pontos turísticos da cidade era possível ver faixas esinais de carinho ao músico que, junto a Jimi Hendrix, é o canhoto mais famosoe influente da história do rock. Prova do carinho do público com McCartney foia venda meteórica dos ingressos, que em poucas horas se esgotaram.

Aúltima passagem do ex-Beatle pelo Brasil foi em 1993 e a expectativa pelo seu retornose confirmou no dia do show, tanto que mais de 72 horas antes de Paul McCartneysubir ao palco, filas já tomavam conta do estádio Beira-Rio, local onde omúsico se apresentou. Sem dúvida, Porto Alegre nunca tinha visto algo parecidoantes, até que às 21:07, cinqüenta e dois mil fãs puderam ver um beatle aovivo. E Paul McCartney abriu o show com Venusand Mars, Rock Show e Jet, exatamente nos mesmos moldes da turnê Over America, que realizou com os Wingsna metade da década de 70. No baixo de Paul, precisão e uma competênciaassustadora, e nas guitarras de Rusty Anderson e Brian Ray, timbres perfeitos.

Em Letting Go, Brian, que geralmente faz as bases de guitarra, semostrou um excelente solista. Com uma Gibson Les Paul Goldtop 1957 em mãos,arrancou aplausos durante o belíssimo solo da música. Nos riffs, ao decorrer doshow, também foi impecável. Durante o show, Brian alternou entre a Les Paul,uma guitarra Gretsch, além de violões Gibson e Taylor. Os amplificadores foramdois Marshall JTM-45. Atualmente, Brian carrega consigo o rótulo de um dosgrandes músicos de estúdio e apoio dos Estados Unidos.

JáRusty Anderson mostrou carisma, boa técnica e um timbre que deixou o público dequeixo caído. De sua Gibson ES-335 1959 e de seus amplificadores Divided by 13, saiu a maioria dos solosda noite, alguns sendo fundamentais na história da guitarra elétrica, como o deSomething, em que Paul McCartneytoca Ukelele, instrumento havaiano muito usado por George Harrison. Éinteressante observar que McCartney trata os músicos no palco como integrantesde sua banda, não deixando-os como meros coadjuvantes.

Paul mostrou que não é apenas genial comocompositor, mas também como instrumentista. Além de tocar baixo na maioria dascanções, ele mostrou extrema competência no piano e na guitarra, fazendo umsolo inspirado em Let Me Roll It, que teve até um trecho de Foxy Lady, de Jimi Hendrix.

Noshow de quase três horas de duração, McCartney tocou um vasto repertório capazde emocionar fãs de todas as idades, indo de All My Loving, do segundo disco dos Beatles, de 1963, até músicasmais recentes, como a bela Dance Tonight,em que Paulmostrou competência também no bandolim. Em Blackbird,o ex-beatle ganhou a companhia de uma lua cenográfica no palco e emocionou atodos com uma de suas canções mais bonitas, em um dedilhado que fez o estádiointeiro cantar e assoviar cada verso. Como em todo o grande show que se preze,também teve pirotecnia, dessa vez em Live and Let Die, em que explosõesacompanhavam cada riff de guitarra.

Maspara os amantes da seis-cordas, a cereja do bolo foi The End, música que encerra o disco Abbey Road, de 1969, e tambémfoi a última no show de Porto Alegre. Nela, Paul, Rusty e Brian presentearam aplateia mais uma vez, agora com uma jam session em que os três músicosempunharam guitarras para fazerem solos alternados.

Cadaum dos cinqüenta e dois mil espectadores que estiveram no Beira-Rio teve umarazão pessoal para ir assistir Paul McCartney, mas a sensação coletiva após oshow foi uma só: ver um beatle de perto é uma experiência única, capaz de mudarpara melhor um pedaço da vida de qualquer ser humano que tenha na música umacompanheira para todos os momentos".

Comédia em tragédia em San Diego: com vocês, Jim Croce

2011-09-03T11:09:00.000-07:00

San Diego fica no extremo sul da Califórnia, a alguns quilômetros da divisa com o México. É lá que fica uma das maiores bases militares norte-americanas, assim como um bom número de belas praias. Foi lá que vivi uma das situações mais engraçadas da minha vida, naquelas em que a comédia e tragédia andam juntas sobre o fio da navalha.

Estava eu procurando um lugar para jantar, até que me indicaram um restaurante com jazz ao vivo. Como seria minha última noite na cidade, me dei ao direito de ir ao famoso Croce's. Chegando lá, percebi que o restaurante era de propriedade do cantor Jim Croce, compositor da lindíssima "I Got a Name".

Banda de jazz tradicional "quebrando tudo", macarrão fantástico e cerveja Corona tinindo de tão gelada, ou seja, a trinca estava perfeita. Eis que na hora de ir embora, paguei a conta, dei uma generosa gorjeta ao garçom e, no impulso de turista, perguntei se eu tinha como tirar uma foto de recordação com o famoso cantor, que na minha imaginação, tinha se aposentado da estrada para se dedicar à culinária. A resposta foi: "impossível, senhor. Croce está aqui, mas apenas em nossos corações, infelizmente".

Jim Croce morreu em um acidente aéreo no ano de 1973, pouco tempo depois de se mudar para San Diego, com o intuito de abrir o restaurante. Situações constragedoras todos passam, that's all, folks...

Apesar da vergonha gigantesca, o incidente de San Diego me trouxe a curiosidade de conhecer a obra de Croce. E digo para vocês: que baita compositor! Vida curta, legado longo, eis Jim Croce.

Abaixo, o link do YouTube de um clássico que traduz o respeito que passei a ter por esse típico songwriter americano.

JIm Croce - I Got a Name - http://www.youtube.com/watch?v=Y9x15O3QYPA

Até a próxima...

Um Buffalo solto pela Califórnia...

2011-08-30T03:06:00.000-07:00

Em junho deste ano, durante uma estada minha na Califórnia, tive a oportunidade de acompanhar um show do retorno do Buffalo Springfield aos palcos, 42 anos após o término da banda. Impossível não se emocionar ao ver Neil Young, Stephen Stills, Richie Furay e a trupe da casa dos 65 anos tocando como se tivessem vinte e poucos. Fiz uma resenha do show para a Guitar Player. Segue abaixo o texto original:

"Ícone dos anos 60, o Buffalo Springfield, foi uma banda fundamental na difusão do country rock. Na linha de frente do grupo estavam dois músicos fantásticos: Neil Young e Stephen Stills.
Passados 42 anos do fim da banda, os veteranos músicos resolveram se reunir para uma pequena turnê na Califórnia. Com exclusividade, a Guitar Player Brasil teve acesso a um desses poucos (e disputados) shows.
A apresentação que assistimos aconteceu no pequeno Wiltern Theatre, em Los Angeles. Com capacidade para menos de 3 mil pessoas, o Wiltern abrigou um show histórico. Geralmente em retornos de artistas que deixaram suas marcas em décadas atrás, existe um receio sobre o atual momento musical em que se encontram. No caso do Buffalo, o que era dúvida, se tornou vibração ao som do primeiro acorde de “On The Way Home”. Era visível que os músicos estão na estrada com o propósito de se divertirem e mostrar para as novas gerações canções que ficaram perdidas décadas atrás. Além de Stephen Stills e Neil Young, outro membro da formação original do Buffalo Springfield é o também vocalista e guitarrista Richie Furay. Completam o time o baixista Rick Rosas e o baterista Joe Vitale.
Com uma Fender Stratocaster em mãos, Stephen Stills mostrou que ainda é um grande guitarrista, digno de ter sido aluno de Jimi Hendrix. Com um estilo único, valorizando timbres e belas melodias, o músico arrancou aplausos do público e sorrisos dos companheiros de palco. Logo no início, ele já deixou claro em Rock n’Roll Woman que o tempo não o tirou da boa forma que apresentava décadas atrás.
E sobre Neil Young, às vezes, faltam adjetivos para definir o estilo do músico. Veterano do rock, o canadense já percorreu desde o lirismo acústico até distorções extremas, sempre com muita originalidade. No Buffalo Springfield, ele explora um pouco de cada elemento, seja no seu violão Martin dos anos 40, até em sua Gibson Les Paul 1953, uma guitarra clássica do rock, que ainda acompanha Neil Young na estrada. Os seus amplificadores também são itens de coleção: todos Fender tweed da década de 50.
No repertório, o quinteto apresentou um pouco de cada disco do Buffalo Springfield, tocando a alegre “Burned”, a ácida “Mr.Soul” e a beleza acústica de “I Am a Child”. Num clima intimista, a apresentação foi daquelas antológicas, em que músicos e plateia ficam em perfeita e intensa sintonia.
Mas o melhor realmente ficou para o final, quando a banda voltou com Broken Arrow, canção que encerra o disco Buffalo Springfield Again, de 1967. A música, com mais de seis minutos, mistura elementos do rock, psicodelia e até jazz, sendo tocada de maneira impecável ao vivo. Depois veio “For What it’s Worth”, o maior sucesso comercial da banda, em que os guitarristas fazem solos e riffs repletos de harmônicos.
Na última canção, uma surpresa. Quando todos esperavam alguma música da banda, Neil Young abriu o volume de sua Les Paul, ligou uma distorção e puxou “Keep On Rockin’ in the Free World”, sucesso de sua carreira solo. Nas guitarras, Young, Stills e Richie Furay se revezaram em solos distorcidos, com a vitalidade de quando lançaram o primeiro disco, 45 anos atrás.
Em uma entrevista recente, Furay admitiu que esses shows estão sendo gravados e, que, possivelmente, venham a se tornar um disco ao vivo. Todos já estamos na torcida, pois será uma oportunidade única de ter acesso aos shows dessa banda que, em três anos, na distante década de 60, deixou um grande legado para a história do rock".

Eu voltei, não sei se é para ficar...

2011-08-29T21:01:00.000-07:00

O mundo é realmente um interessante local de ciclos. Talvez a circunferência do globo terrestre facilite o trabalho do tempo, que por sua vez insiste em andar 360 graus, voltando ao ponto inicial, quase sempre mostrando alguma diferença ao contexto original.
Sim, escrevi de forma confusa as linhas acima propositalmente para ilustrar uma situação ocorrida ainda hoje.
Estávamos eu e o brother Márcio Grings tomando uma cervejinha, comendo um típico xis de Santa Maria e falando sobre a necessidade ou não de estar inserido com os dois pés na web através de redes sociais e blogs. O Márcio foi insistente ao defender seu ponto de vista sobre o poder do Twitter, por exemplo. No entanto, sou obrigado a me transportar para os idos do ano de 2001 quando começou a difusão definitiva do conceito de computador da família. Nessa época, eu, boquiaberto me rendia diante das facilidades da internet.
O Mr. Grings, por volta de 2002, afirmou categoricamente que não tinha a manha e que até o "lance de e-mail" ele não possuia.
Menos de dez anos depois, o cara me convenceu que as ferramentas da internet são indispensáveis. Por isso estou reativando meu espaço aqui com um novo layout.
Márcio, o mundo dá muitas voltas e tu venceu teu amigo aqui com relação a alimentar o blog. Cá estou fazendo novamente...

Eu voltei, não sei se é para ficar...

O Rei

2010-01-09T09:38:00.000-08:00

Há 75 anos, nascia o Rei do Rock: Elvis Presley. Tudo, ou quase tudo já foi dito sobre The Pelvis, então não vou prolongar o discurso. Abaixo segue uma listinha de canções fundamentais para entender a obra de Elvis.

1º Mistery Train - mostra o feeling juvenil de Elvis em 1954. Destaque para o riff de guitarra de Scott Moore, que desafia músicos até hoje.

2º That's All Right, Mama - Da mesma leva de Mistery Train, mostra o quão gigante Elvis era com um violão em punhos.

3º Can't Help Falling In Love - de 1960, a canção encerrava as apresentações do Rei. Lirismo, na medida certa.

4º Suspicious Minds - Canção importantíssima para a retomada de Elvis, no fim da década de 60. Uma das mais belas músicas sobre ciúme escritas até então.

5º You've Lost That Lovin' Feeling - Quer chorar no cantinho? Ouça essa canção, uma das grandes interpretações de Mr. Presley.

The Jayhawks

2009-12-12T04:52:00.000-08:00

Fim de ano, período turbulento nos negócios (pelo menos nos meus), época em que nos privamos de certos prazeres em nome da correria cotidiana. Numa das idas e vindas, com celular na mão, volante do carro na outra e a agenda aberta no banco do carona me dei por conta do quão mais fáceis se tornam as obrigações quando essas têm uma trilha sonora. Em meio ao turbilhão, lembrei de uma banda que sempre gostei e que tinha ficado engavetada por um tempo: The Jayhawks. Conheci o som desse grupo em meados do ano 2000, e , de lá para cá, sempre foi um exercício de relaxamento ouvir o country rock feito pela banda que foi formada ainda nos anos 80, em Minessota, estado aliás, que também é berço de Bob Dylan.
Ao me reencontrar com a discografia da banda, levei um choque ao ouvir o disco Tomorrow the Green Grass, de 1995. Embora tenha sido uma decepção em vendas, o álbum traz notáveis canções, como Blue, Miss Williams' Guitar , Bad Time, clássico do Grand Funk Railroad, além daquela que julgo a obra-prima do grupo: Red's Song. A combinação entre as vozes de Gary Louris, Mark Olson e Karen Grotberg, somada ao som de violões, steel guitars e guitarras, ora suaves, ora distorcidas, dá a Tomorrow the Green Grass o espaço entre os melhores discos da década de 90. Para quem duvida, fica abaixo uma versão ao vivo de Red's Song:

A bola da vez, mais uma vez...

2009-10-01T02:54:00.000-07:00

Desde que apareceu para os holofotes, no início dos anos 2000, John Mayer faz um trabalho digno de nota. Discos muito bem produzidos, com belas canções, em que o artista faz um pop açucarado com calda consistente, feita num panelão cheio de blues, jazz e soul music. Prodígio da guitarra, Mayer arranca suspiros das adolescentes (ou nem tão jovens assim, vide Jennifer Aniston, ex-affair do cantor) e aplausos calorosos dos marmanjos, tamanha a sua habilidade pilotando uma Fender Stratocaster. Depois de um disco ao vivo com sucessos, clássicos do blues e direito a um set acústico, John Mayer está de volta com canções inéditas. O primeiro single, Who Says, já está rodando nas rádios e traz o artista com sua consagrada fórmula: agradar ouvidos exigentes, sem esquecer do público teen. A diferença é que, pelo menos nessa música, John abriu mão dos envenenados timbres de guitarra, se resumindo ao acompanhamento sutil de violão e percussão. O disco de inéditas, intitulado Battle Studies, está com previsão de lançamento para novembro.

R.I.P. Les Paul

2009-08-13T19:13:00.000-07:00

Esse senhor frágil, com uma guitarra na mão, que está na foto acima, foi responsável por uma das maiores revoluções da história da música. Lester William Polsfuss, nasceu no estado de Wisconsin, nos Estados Unidos, em 9 de junho de 1915. Aos treze anos já fazia apresentações ao vivo como guitarrista, sempre mesclando o honky tonk , jazz e blues, o que o ajudou a criar um estilo inconfundível. Em 1950, Les Paul, como ficou conhecido, começou a projetar aquela que seria a primeira guitarra de corpo sólido a ser fabricada pela Gibson. Durante dois anos, músico e empresa se esforçaram para criar um instrumento portátil, de timbre revolucionário e moderno, sem deixar de lado o visual elegante, característico da marca. Eis que, em 1952, o mundo conheceu a Gibson Les Paul. Seria impossível a guitarra não levar o nome de seu criador, tamanha a ligação entre artista e instrumento. Nessa quinta-feira, a Gibson fez um comunicado confirmando a morte de Les Paul em função de uma grave pneumonia. O legado do guitarrista vai além da música. Desde que lançou sua criação, 57 anos atrás, o músico viu gerações idolatrarem as Gibson Les Paul. Da marcação seca de Muddy Waters até os rugidos pesadíssimos de Zakk Wylde, não há guitarrista que ao menos não achei bonito o contorno das Les Paul, isso sem falar do timbre grave e único. Eu próprio trago tatuado em meu braço esquerdo a invenção de Les Paul, que para muitos pode não representar, mas que fez toda a diferença na música dos últimos 50 anos. A paixão pela guitarra fez Les Paul tocar até o fim da vida. Toda a semana, ele realizava uma apresentação em um bar de Nova Iorque. Les Paul tinha 94 anos.
Descanse em paz!

Woodstock 40 anos - Parte 8

2009-08-12T09:57:00.000-07:00

As linhas que escrevi anteriormente fazem parte do BEABÁ do rock, nada de muita novidade. O que muitos não sabem vem a seguir: as curiosidades. Shows cancelados, convites negados e outros fatos que também fazem parte da história do Woodstock.

Curiosidades:

- Apesar do nome, o festival aconteceu na cidade de Ethel, cidade que fica cerca de 70 quilômetros distante de Woodstock.

- The Doors iriam tocar no festival, mas desistiram quando souberam que Woodstock seria em uma fazenda.

- Os integrantes do Iron Butterly ficaram presos em um aeroporto e não conseguiram chegar a tempo de tocar.

- O Led Zeppelin negou o convite para tocar no Woodstock. Segundo o empresário Peter Grant, o Led seria apenas mais uma banda a pisar no palco, e isso não seria interessante.

- A organização chegou a ligar para John Lennon pedindo para que os Beatles tocassem no Woodstock, mas John exigiu que a banda de Yoko Ono também pudesse se apresentar, o que não foi aceito.

Woodstock 40 anos - Parte 7

2009-08-12T09:13:00.000-07:00

17 de agosto, último dia de Woodstock e ainda havia muita coisa por acontecer. Logo no início daquela tarde de domingo o público assistiria a uma das mais belas interpretações da história do rock. Joe Cocker, ainda em início de carreira, encerrou sua apresentação com uma canção dos Beatles completamente modificada: With a Little Help From My Friends. Originalmente cantada por Ringo, a música aqui aparece na voz rouca de Cocker, que chega a se contorcer durante a execução.

Após o show de Joe Cocker, o então céu azul deu lugar a uma tempestade que fez as apresentações musicais serem suspensas por algumas horas. Foi aí que começou o show dos protagonistas do evento. Em meio a lama, a fazenda se tornou um palco para que aqueles 500 mil hippies pudessem se divertir, como se todo aquele cenário fosse uma nação do amor livre, da paz e da cumplicidade entre iguais. Crianças corriam nuas pelos campos em belíssimas cenas. O som das guitarras deu lugar ao coro que pedia "no rain, no rain". São Pedro não teria como negar aquele pedido e ao fim da tarde, a chuva parou e os shows recomeçaram. Na sequência do festival, apresentações dignas de nota, como The Band e Ten Years After. No entanto, o público foi ao delírio com o primeiro show de um quarteto: Crosby, Stills, Nash & Young era ídolos daquela geração, mas nunca haviam tocado os quatro juntos. Bastaram os primeiros acordes e estava formado um dos grupos mais queridos da história do rock.

Para o grand finale do Woodstock, os organzadores escalaram Jimi Hendrix, ídolo máximo e porta-voz daquela geração. O que não estava previsto era o temporal e o atraso de quase nove horas na programação de shows. Hendrix começou seu show às 9 da manhã já da segunda-feira, dia 18. Apenas 35 mil pessoas restavam na fazenda, mas mesmo assim, Jimi protagonizou o momento mais simbólico do festival: a execução do hino dos EUA. Em meio à melodia, o guitarrista extraia sons que simulavam bombas de sua Fender Stratocaster, em uma verdadeira manifestação de repúdio a Guerra do Vietnã. Há quem diga que esse solo abriu as portas para muitas pessoas realizarem seus sonhos, inclusive os de Barack Obama, primeiro negro a se tornar presidente da nação mais poderosa do planeta.

Woodstock 40 anos - Parte 6

2009-08-12T06:11:00.000-07:00

Continuando com os destaques das apresentações do Woodstock, chegamos ao segundo dia. O palco foi habitado por ídolos máximos daquela geração como Janis Joplin e The Who e por grupos menos aclamados, como o Quill. Country Joe McDonald fez o público cantar um hino anti-guerra do Vietnã. Por ironia, um dos shows que roubou a cena foi o de um jovem guitarrista mexicano, até então desconhecido, chamado Carlos Santana. A interpretação de Soul Sacrifice é um dos momentos eternos da guitarra elétrica.

Como não se emocionar com o sofrimento da voz de Janis Joplin? A cantora texana só aceitou cantar na condição de que o público estivesse bem acomodado, sem passar dificuldades.

Assim como Janis, o The Who ganhou fama mundial após a apresentação bombástica em Monterrey, dois anos antes. No Woodstock, a banda fez uma apresentação história, tocando a ópera-rock Tommy. Ao fim do show, o guitarrista Pete Townshend atirou sua Gibson SG para a plateia. De tantos hinos, See Me, Feel Me foi um destaque.

Woodstock 40 anos - Parte 5

2009-08-12T05:10:00.000-07:00

Muitos dos artistas que tocaram no festival não autorizaram a gravação e o uso de seus shows no filme e nos discos lançados com a marca Woodstock. Portanto muita coisa se perdeu e ficará apenas nas retinas de quem assistiu ao vivo (embora eu duvide que o pessoal lembre de muita coisa). Vou listar abaixo alguns momentos que julgo marcantes. Claro que essa é uma análise do filme Woodstock, que já assisti inúmeras vezes.

No primeiro dia, duas apresentações foram marcantes: a de Richie Havens, que abriu o festival e a de Joan Baez, que cantou grávida e encerrou a noite. É impossível não se arrepiar com a honestidade de Havens tocando e clamando por liberdade.

Joan Baez foi um ícone do movimento folk nos Estados Unidos. Sua voz aguda é única e reconhecível a quilômetros de distância. Durante o Woodstock, a cantora esperava um filho enquanto seu marido estava preso. Inesquecível!!!

Woodstock 40 anos - Parte 4

2009-08-12T04:36:00.000-07:00

Assim como todo o planejamento de Woodstock, os shows também foram sendo confirmados quase na mesma época do festival. Ao todo, 32 nomes do cenário rock, blues e folk foram escalados para os três dias de apresentações. Abaixo a lista de shows por ordem:

Dia 15/08/1969

- Richie Havens
- Sweetwater
- The Incredible String Band
- Bert Sommer
- Tim Hardin
- Ravi Shankar
- Melanie
- Arlo Guthrie
- Joan Baez

Dia 16/08/1969

- Quill
- Keef Hartley Band
- Country Joe McDonald
- John Sebastian
- Santana
- Canned Heat
- Mountain
- Gratefull Dead
- Creedence Clearwater Revival
- Janis Joplin
- Sly & The Family Stone
- The Who
- Jefferson Airplane

Dia 17/08/1969

- Joe Cocker
- Country Joe and the Fish
- Ten Years After
- The Band
- Blood, Sweat & Tears
- Johnny Winter
- Crosby, Stills, Nash & Young
- Paul Butterfield Blues Band
- Sha-Na-Na
- Jimi Hendrix

Woodstock 40 anos - Parte 3

2009-08-11T14:39:00.000-07:00

A organização do Woodstock concentrou suas atenções para a parte artística do evento, deixando em segundo plano questões sanitárias, de alimentação e infra-estrutura. Os ingressos foram colocados a venda por 18 dólares e, desde o início, a procura foi intensa. Ao todo, 180 mil bilhetes foram comercializados, o que já seria um problemão de administrar. No entanto, dias antes do festival, caravanas de hippies já atravessavam os Estados Unidos rumo ao Woodstock em busca de paz, amor e música. A previsão era que 300 mil pessoas estariam no festival. Nos dias que antecederam os shows, a cidade se tornou um caos, com dezenas de milhares de pessoas montando acampamentos por todos os lugares. Os mercados não tinham comida o suficiente para aquele povo todo. E para completar, a metereologia apontava tempestades para a região.
No dia 15 de agosto, a estimativa de público havia sido superada, já que 500 mil pessoas foram até a fazenda. As cercas foram rompidas e todos tiveram acesso ao festival.
Mas esse caos completo foi apenas um ingrediente do que estava por vir: shows inesquecíveis.

Woodstock 40 anos - Parte 2

2009-08-11T11:19:00.000-07:00

É bom deixar claro que o Woodstock não foi o primeiro festival de música dos anos 60. Em 1967, o Festival de Monterrey revelou três nomes que seriam ícones a partir de então: Jimi Hendrix, Janis Joplin e The Who. Então o que fez de Woodstock tão relevante? Eu nasci 15 anos depois e não sei descrever através de vivência qual o contexto naquele agosto de 1969, mas as leituras e filmes nos permitem ao menos saber o que acontecia.
Desde a concepção, ficou claro que Woodstock entraria para a história, em primeiro lugar pela falta de organização. John P. Roberts e Joel Rosenman publicaram anúncios em jornais oferecendo recursos ilimitados para jovens dispostos a fazerem investimentos "legítimos e interessantes". Michael Lang e Artie Kornfeld responderam e propuseram a criação de um estúdio de gravação e divulgação de manifestações artísticas. Daí até a ideia de organizar um festival de música foi um pulinho.
Os quatro jovens decidiram alugar uma parte da fazenda de um senhor chamado Max Yasgur entre os dias 15 e 18 de agosto de 1969, em Bethel, interior de Nova York. Aí começou o princípio de caos, já que os organizadores tinham o espaço e boas ideias, porém, nenhuma experiência com eventos, ainda mais com o desafio que haviam estipulado: fazer com que os principais nomes do cenário rock da época subissem ao palco.

Woodstock 40 anos - Parte 1

2009-08-11T09:41:00.000-07:00

Agosto de 1969. Ditadura militar no Brasil, brigas estudantis e feministas faziam da mundo uma bomba relógio. Alheia a tudo isso, a geração hippie promoveu aquele que foi o maior e mais importante festival de música da história: Woodstock. Durante três dias, 500 mil pessoas celebraram a paz, o amor livre, a arte e a música. Passados 40 anos daquele marco da história mundial, o Baú vai se abrir para fazer uma homenagem ao Woodstock, contando fatos, e tentando mostrar o quanto daquilo que foi dito se confirmou e qual o legado daquela geração nos dias atuais.

Boa leitura!

Bolicho aberto novamente!

2009-08-11T07:45:00.000-07:00

Cá no sul do Brasil, chamamos de bolicho estabelecimentos modestos, pequenos comércios, onde é possível achar desde palha para fumo até sandálias de borracha. O Baú do Zanini foi criado em 2007 para falar de música, cinema, futebol e coisas que fazem os dias desse que vos escreve lugares menos doloridos. Enfim, um pequeno bolicho virtual. A pauleira cotidiana me fez deixar de lado as postagens e fez com que o conteúdo ficasse sem foco e, por consequência, sem atrativos para o leitor. Navegar pela internet é preciso, mas, por vezes, é uma tarefa enfadonha. O que me afasta da leitura de alguns blogs é a complexidade do conteúdo. Escrever difícil para impressionar é bom para o ego de quem o faz, apenas para o ego de quem o faz. Pelo menos é o que penso. Portanto, meus posts vão ser breves (tentarei), para que a sua passagem pelo Baú seja de bom proveito.

BEMVINDOSWELCOMEBIENVENIDOS!!!!

Macca e Ringo juntos, de novo!

2009-03-08T06:07:00.000-07:00

Desde 1970, ano em que os Beatles encerraram as atividades, muito se falou sobre um possível retorno do quarteto. Falatório esse que perdeu força com o assassinato de John Lennon, em 1980. No coração dos fãs do Fab Four, que não são poucos, o romantismo de uma reunião sempre existiu, mesmo que de maneira tímida. E ele aconteceu em meados dos anos 90, quando Paul, Ringo e George se juntaram para gravar duas canções de John: Free as a Bird e Real Love, duas pérolas presentes nos discos Anthology. Mas palco mesmo não rolou. Questões contratuais e de bom senso garantiram que o retorno do então trio em turnê não acontecesse. Em 2001, George Harrison faleceu vítima de um câncer, levando de vez a chance de o mundo ouvir guitarra, baixo e bateria dos Beatles ao vivo novamente. Quis o destino que essa perda motivasse um grupo de amigos de Harrison a organizar um show em Londres. Batizado de Concert for George, a apresentação contou com presenças inusitadas, como Tom Hanks junto aos hilários humoristas do Monty Python, até Eric Clapton, Jeff Lynne, Billy Preston e outros dois amigos de George, dois dos moços de Liverpool: Paul McCartney e Ringo Starr. Sim, a perda fez com que os dois protagonizassem a triste ironia de reviver Beatles no momento da dor. Quem já assistiu ao vídeo (absolutamente recomendável) sabe do que estou falando.
Qual a razão de eu estar falando sobre retorno dos Beatles, ou parte deles, quase quarenta anos após o término da banda?
Pelo simples fato de na última semana, ter sido anunciado um show no Radio City Hall, em Nova Iorque, dia quatro de abril, juntando Paul e Ringo novamente. Não vai ser um concerto inteiro de músicas do quarteto, na verdade o show será em prol de uma fundação do cineasta David Lynch. É provável que a cozinha rítmica dos Beatles toque apenas uma ou duas músicas o que, para o menos romântico dos fãs, já é fantástico!

FECHADO

2008-12-06T01:25:00.000-08:00

Com postagens esporádicas e sem muito conteúdo, vou deixar o blog fechado para balanço por uns dias. A falta de tempo e a correria dos últimos dois meses não me permitiram escrever nada relevante por aqui. Vou colocar as coisas em ordem e daqui uns dias volto com novidades, trazendo informações que possam ser úteis a todos.

Forte abraço aos leitores!

Daqui um pouco estamos de volta, mas no momento: FECHADO!!!

The Last Waltz - 30 anos depois

2008-08-09T12:51:00.000-07:00

Pergunte em uma rodinha de roqueiros: "Vocês conhecem o The Band?". Possivelmente alguém vai responder com um certo to de dúvida: "Acho que era a banda que acompanhava o Bob Dylan". Mesmo na imprecisão, o sujeito acerta, mas, mais uma vez joga um dos melhores grupos de todos os tempos para trás de uma sombra gigante. O The Band surgiu no Canadá, em 1962, com o nome The Hawks, uma referência ao cantor de rockabilly Ronnie Hawkins, que o grupo acompanhou na época. Em 1966, alguns integrantes, como o guitarrista Robbie Robertson, foram banda de apoio de Bob Dylan na famosa e controversa turnê mundial do cantor. Também participaram das gravações do clássico Blonde On Blonde. Em 1968, o quinteto lançou o disco Music From Big Pink, uma pérola de country-rock em meio ao fenômeno psicodélico que tomava conta do mundo. Eric Clapton até hoje afirma que foi este álbum que deu uma guinada positiva em sua carreira. À partir de Big Pink, o The Band se dividiu entre a carreira própria e a vida como grupo de apoio de Dylan. O ápice dessa parceria veio no disco ao vivo Before the Flood, de 1974. Cansados da vida na estrada, os integrantes do quinteto resolveram encerrar as atividades. Em vez de brigas, comuns em separações, os músicos mostraram grandeza e decidiram fazer um show de despedida. E o fizeram em grande estilo, chamando Martin Scorsese para registrar em um filme aquela que seria a última apresentação da banda. Lançado em 1978, The Last Waltz é um dos mais marcantes filmes de rock já feitos. Para isso, foram somados três elementos: O Band em uma forma impecável, afiadíssimo, Scorsese logo após o lançamento de Taxi Driver, e um leque de convidados do primeiro escalão do rock. Neil Young, Eric Clapton, Ringo Starr, Van Morrison, Ronnie Wood e Muddy Waters e, é claro Bob Dylan, são algumas das participações que, em duas horas, ajudam a contar uma das histórias mais belas que a música já viu. Blues, country, jazz, soul...rock n'roll. Tudo isso esteve presente na obra do The Band, que teve como mérito ser uma banda de verdade, com instrumentistas que sempre pensaram no todo, deixando vaidades de lado. Abriram mão de tudo isso em prol de um punhado de canções de luxo. Ouça It makes no difference, que você irá entender do que estou falando. Se o The Band nunca pertenceu ao mainstream...azar o do mainstream. Trinta anos depois, The Last Waltz ainda soa como uma aula de tudo aquilo que a boa música deve ter.

What's going on?!?!

2008-07-22T12:48:00.001-07:00

Foi essa a pergunta que o mundo fez para si mesmo durante os anos de guerra do Vietnã. O fracasso político e social da geração Woodstock, as ditaduras espalhadas pela América Latina e a crescente violência urbana foram os cartões de visita que a década de 70 apresentou. E foi justamente esse caldeirão de idéias que levou Marvin Gaye ao ápice de sua genialidade como compositor, em 1971, no disco homônimo ao título deste post.
"What's Going On" teceu uma forte crítica aos costumes (ou falta de...) das pessoas naquele período. Religiosidade e política dividiram espaço com liberdade e ecologia nas letras de Gaye, como fica claro em Mercy, Mercy Me (The Ecology) . What's happening Brother é um show à parte, com uma cozinha pulsante, vocais fantásticos e instrumentos e timbres escolhidos minuciosamente. A faixa título, que abre o disco, tem um dos refrões mais emocionantes da história, com uma interpretação única de Marvin Gaye.
Mesmo com todo esse requinte, não foi fácil convencer os executivos da gravadora Motown a apostarem no álbum. Gaye era uma das estrelas da empresa, com um catálogo invejável de canções no hit parade dos anos 60. Entrar na década seguinte com um disco de contestação, sem apelo comercial, seria no mínimo arriscado. O próprio Barry Gordon, proprietário da Motown, afirmava que "música é para entreter, não para fazer pensar". Mas a briga foi comprada pelo artista, o álbum vendeu milhões de cópias e, além de ter sido o melhor já feito na história da soul music, é presença constante nas listas dos Top 10 de todos os tempos.
Pena que a história de Marvin Gaye tenha sido interrompida pela ironia. A violência e a estupidez, que ele tanto condenara, o levaram a morte, vítima de um tiro disparado pelo seu próprio pai, em 1984.
Quem sou eu para dizer o que as pessoas devem fazer, mas não seria nada mal, se nossos irmãos parassem para pensar nO QUE ESTÁ ACONTECENDO... ainda!!!

Ficou curioso?

http://sharebee.com/23ae4070

Não reclamem...

2008-07-21T19:43:00.000-07:00

...de eu estar falando de futebol. Desde que o ano começou, eu não havia postado nada sobre uma das minhas paixões. Admito que meu conhecimento técnico e tático sobre futebol é pífio. Esse esporte, para mim, se resume em uma paixão: GRÊMIO!!!
Pois bem, o que me traz ao teclado do computador para escrever é o fato de o tricolor de Porto Alegre estar na vice-liderança do Brasileirão 2008. Isso chega a ser uma piada, tendo em vista a fraqueza do elenco e do comandante da equipe. Mas tudo beleza, o meu tricolor está fazendo uma bela campanha, mesmo sem um futebol de encher os olhos e sem ter atacantes que façam gols. No último sábado, o time do técnico Celso Roth venceu o Cruzeiro, no estádio Olímpico. Depois de um festival de gols perdidos, quem arrematou de maneira séria e competente, foi o lateral-direito Paulo Sérgio. Admito, não gosto dele, mas...espero que muitos jogadores ainda me quebrem o bico até o fim da temporada. Uma coisa está gerando preocupação entre todos os torcedores, a falta de um atacante matador, alguém que tenha competência apenas para empurrar a bola para dentro do arco adversário.
Gostaria de ver o Perea ao lado do Soares, mas isso é coisa que o velho Roth de guerra não admite.

Buenas meus caros, até o fim da semana eu retorno falando um pouquinho mais sobre futebol. Não adianta reclamar...

TOP, sim senhor!!!

2008-06-30T05:30:00.000-07:00

É difícil achar um apreciador da boa música que não faça listas de preferências. Os famosos TOP 5, 10, 20, 100... sempre rendem boas discussões. Claro que, na maioria das vezes norteadas por algum lugar comum. Não há como negar que Hendrix foi o divisor de águas da guitarra, ou que os Beatles foram os maiores, mesmo com a resistência de stoneanos fanáticos. Eu também tenho minhas listas. Uma delas diz respeito aos grandes vocalistas da história do rock. Não cito cantores de outros gêneros, pois seria covardia, vide Marvin Gaye, Otis Redding, Sam Cooke, etc.
Nos TOP 5 dos vocalistas sempre aparecem aqueles de voz agudíssima, com um alcance incrível. Muito li sobre Robert Plant, Ian Gillan e outros que hipnotizavam platéias na década de 70, porém, muito pouco vi o nome de Rod Stewart em alguma lista. Na modesta opinião deste blogueiro que vos escreve, o escocês narigudo e de voz rouca, que queria ser jogador do Celtic, foi o cara.
Desde o início no Jeff Beck Group, passando pelos Faces, chegando até a fase de cantor de jazz para senhoras, Rod Stewart foi uma das figuras mais carismáticas que o mainstream já viu.
Em abril passado, fui até Buenos Aires com minha namorada para assitir um show do velho Rod. Impecável. É o adjetivo mais adequado para definir a apresentação de Stewart. Em duas horas de show, trinta e cinco mil pessoas puderam conferir um pouco de cada fase do velho roqueiro escocês. Admito que até a batidíssima Have You Ever Seen the Rain me fez pular. Conhecido intérprete de baladas, Rod Stewart fez jus ao rótulo quando cantou The First Cut is the Deepest, de Cat Stevens, e You're in my Heart, clássico dos anos 70. Maggie Mae foi cantada a plenos pulmões pelos hermanos.
A apresentação do carismático Rod Stewart acabou em grande estilo, com um hit da discoteca: Da Da Ya Think I'm Sexy, a mesma que teve uma melodia "emprestada" por Jorge Ben, em Taj Mahal. Mas àquelas alturas, nada mais importava, nem o plágio, nem as mancadas pop brega, nem o fato de o cara ter descoberto a Luciana Gimenez antes do Mick Jagger. O que importa é que Rod Stewart ainda é um dos TOP 5, pelo menos no meu TOP 5.

Thank you, DINE!!!

Baú virou notícia!!!

2008-06-12T13:21:00.000-07:00

Fiquei muito surpreso e feliz com a citação que o Baú recebeu no televisivo Studio Rock. Só tenho a agradecer ao Rodrigo Simões e à Renuska pelos elogios ao blog. Sucesso para eles e para o programa. Abaixo, parte do script do Studio Rock:

RODRIGO – DE VOLTA COM O STUDIO ROCK. A NOSSA DICA DE SITE DE HOJE É QUASE QUE UMA RASGAÇÃO DE SEDA, DIGAMOS ASSIM. O BLOG “BAÚ DO ZANINI” É DO JORNALISTA GUILHERME ZANINI, FORMADO AQUI PELA UNIFRA E QUE APRESENTAVA O STUDIO ROCK ANTIGAMENTE.

RENUSKA – NEM TÃO ANTIGAMENTE, NÉ. O GUILHERME, ALÉM DE JORNALISTA, É MÚSICO, E ENTENDE MUITO DO ASSUNTO. O BLOG DELE AINDA TRAZ INFORMAÇÕES SOBRE FUTEBOL E JORNALISMO, ENTÃO É MUITO RECOMENDADO PELA GENTE, E JURO QUE NÃO É PUXAÇÃO DE SACO! QUEM QUISER LER AS IDÉIAS DO GUILHERME, O ENDEREÇO É BAUDOZANINI.BLOGSPOT.COM

Estrelato?! Não...seria muita pretensão

2008-05-25T15:30:00.000-07:00

Despretensioso. Talvez esse seja o melhor adjetivo para qualificar Tom Petty. Ao longo de mais de três décadas, o cantor e compositor nunca tentou duelar com Dylan e Young, duas referências obrigatórias para quem vai ao microfone com violão em punho e gaita pendurada no pescoço. Surgido nos Estados Unidos, na metade dos anos 70, também evitou roubar os holofotes de seu (teoricamente) rival imediato: Bruce Springsteen. Mesmo assim, sem maiores pretensões, Tom Petty, acompanhado de sua banda, os Heartbreakers, empilhou canções nas paradas de sucesso dos norte-americanos. A identificação com a música ianque e a devoção a Dylan podem ter sido prejudiciais para o artista em termos de projeção mundial. De qualquer maneira, a canção Free Fallin’ ainda é um hino e presença obrigatória em qualquer coletânea 80-90’s. Há alguns anos parado, Tom Petty voltou, mesmo que de maneira tímida, às lojas de discos. Em 2005, participou da trilha sonora de “Tudo Acontece em Elizabeth Town”, do diretor Cameron Crowe, um admirador confesso do compositor. Em 2006, Petty lançou “Highway Companion”. Disponível em catálogo nacional, o disco traz um apanhado de doze belas canções, todas na linha songwriter, de um senhor beirando os sessenta anos de idade. Destaque para a bucólica Square One, que já havia sido a melhor faixa na trilha de Elizabeth Town. Indicado para domingos ensolarados e passeios estradeiros, “Highway Companion” é mais um capítulo na vida desse artista que tem o carinho de muitos, porém, o fanatismo de poucos. Afinal, isso seria muita pretensão.

A resposta? Está soprando...com o vento...

2008-05-21T12:45:00.000-07:00

Sexta-feira, 36º no termômetro da praça de São Borja, cidade que faz fronteira entre Brasil e Argentina. Cinco da tarde do dia 14 de março de 2008. Exatamente nessa hora encerrei meus afazeres da semana. Ao entrar no escritório em que eu trabalhava na época, entrei no MSN, apenas para falar com alguém da minha família, namorada ou algum amigo perdido. Eis que pisca uma janelinha. Era um camarada meu que passava férias em Buenos Aires. O cidadão me convocou para o evento do ano na capital portenha. Show do Bob Dylan. O convite foi algo do tipo: "estou indo comprar os ingressos. Tu vens?". Enfim, não havia como recusar. Fui em casa, recolhi duas mudas de roupa, coloquei em uma mochila, peguei uns trocados e embarquei num ônibus rumo a Buenos Aires.
Chegando lá no dia seguinte, nada como um passeio pelas praças cheias de vagabundos. O clima inspirava e parecia prenúncio de uma noite inesquecível. De tarde, rumamos de metrô, taxi e ônibus em direção ao estádio do Vélez Sarsfield, local do show. A apresentação do velho menestrel era às nove da noite. Meia horas antes, conseguimos entrar no estádio. Ficamos eufóricos, eu, meu amigo Eduardo, além de dois amigos que fizemos no hotel, um uruguaio fanático pelo Peñarol e um argentino tão gente fina que parecia ser falsificado.
As luzes apagam, a platéia se empolga e Dylan sobe ao palco. Monossilábico, como sempre, ele ataca a guitarra. "Rainy day woman" abriu o show. Os olhos lacrimejaram com o coro da platéia, que, aos berros dizia: "everybody must to get stoned". Algumas lindas canções do disco Modern Times foram apresentadas em um volume bem baixo, mostrando a encantadora fragilidade da voz de Dylan. Uma banda muito competente o acompanhou, com destaque para o baixista Tony Garnier, que já transcendeu o limite de músico de apoio, sendo um parceiro de longa data do velho Bob. Clássicos vieram aos borbotões. "Masters of War", "Just Like a Woman"..."Like a Rolling Stone". A cada introdução, cada letra mudada, cada melodia improvisada fazia eu lembrar da minha história com o artista que eletrificou a poesia. Lembrei da primeira fita cassete com canções de Bob, que escutei até o cabeçote do meu som pifar. Lembrei de um disco de vinil que afanei do acervo de uma rádio e guardo até hoje como um troféu. Para encerrar o show, Dylan trajando um chapéu de vaqueiro sulista se posicionou em frente ao teclado, sacou três acordes e tocou "Blowin' in the wind". A ausência da canção nas apresentações no Brasil causou polêmica até com figurões da política. A presença da canção no repertório argentino soôu como uma canção de ninar.

Sentado à beira do caminho

2008-05-21T12:21:00.000-07:00

Sim, estamos em maio de 2008. Quarenta anos após as revoluções de 1968. Cinco meses sem postagens minhas por aqui. Confesso que este post tem um tom confissional, quase como um diário (embora o propósito do baú não seja esse). Às pessoas que, por vezes, dão uma espiada no que escrevo aqui, peço as mais sinceras desculpas. Desde o dia que postei meu último texto, uma série de coisas aconteceram , idas e vindas, encontros e desencontros. Mudanças se tornaram rotineiras. Desde janeiro, morei em três cidades diferentes, conheci um número impressionantes de pessoas e, cheguei a conclusão de que, realmente nenhum dia é igual ao outro, ainda mais quando se é jornalista, como eu.
Enfim, hoje estou morando em Santa Cruz do Sul, trabalho na TV Record, após ter saído da RBS e, cada vez mais, me sinto privilegiado por poder sentar à beira do caminho, prosar com o universo e ser feliz assim, de maneira simples, como a vida deve ser... pelo menos a minha.

E 2008?

2007-12-31T04:20:00.000-08:00

Em primeiro lugar, peço desculpas a quem visita este blog pelos mais de vinte dias sem postar nada de novo. Em meio a algumas viagens e compromissos pessoais deixei, temporariamente, abandonado meu humilde espaço virtual. Estamos no último dia do ano e, como sempre, criamos uma lista de especulações acerca dos próximos 365 dias.
Mesmo o mais descrente no ano novo tem lá suas perspectivas em um novo ciclo. Vejamos algumas possibilidades. Apesar de eu gostar de política, não estou muito engajado com o pleito municipal de 2008, porém, no meio da música e da cultura, sempre há novas esperanças e coisas do tipo. Por exemplo, quais shows internacionais virão à Porto Alegre? Qual grande banda irá voltar? Qual biografia será lançada? Quais discos serão lançados?
A princípio, a única banda grande que tocará nos pampas será o Iron Maiden que, confesso, não consta nas minhas listas de preferências. O Bob Dylan passará batido pela capital gaúcha, tocando em Buenos Aires, Rio de Janeiro e São Paulo. Por enquanto ainda não há notícias de grandes artistas internacionais em terras brasileiras em 2008, além dos dois citados. Claro que, sempre há os festivais de bandas indie e novidades pintadas de ouro pelas revistas e esquecidas dois meses depois. Aí vai um desabafo. Percebo muito empenho para trazer alguns artistas como a Bjork, porém, Paul McCartney, o pai de todos, não vejo nenhum esboço. Mas tudo bem.
E o Led? Será que volta? E, se voltar, passa pelo Brasil?
Buenas...só tenho a dedicar um excelente 2008 a todos. Que o próximo ano seja cheio de conquistas, das melhores possíveis. See Ya!!!

Led is back!!!

2007-12-10T18:15:00.000-08:00

Há mais ou menos três horas, vinte mil privilegiados tiveram um momento histórico: assistir o retorno do Led Zeppelin aos palcos. O grupo não tocava junto desde 1988, porém, a banda deixou de existir em 1980, quando o baterista John Bonham faleceu. Para assumir as baquetas nesta noite, foi recrutado Jason, filho do baterista original do quarteto inglês.
O show foi, na verdade, um tributo a Ahmet Ertegun, fundador da Atlantic Records, que faleceu no ano passado. A Atlantic foi a primeira gravadora do Led Zeppelin.
Quando foi anunciado o show, a minha primeira reação foi a de espanto e medo pelo que poderia vir. Mas pensando de maneira menos instintiva, Page, Plant e Paul Jones não iriam se reunir para manchar a reputação do Led Zeppelin, a maior banda da década de 70. A prova da devoção ao grupo foi a procura por ingressos. Cerca de 50 milhões de fãs se cadastraram em um site que estava vendendo os bilhetes para a apresentação histórica.
Assistindo um trechinho de Black Dog, gravado nesta noite, em Londres, me arrepiei. A interpretação foi impecável. Apesar de o visual da banda estar bem diferente ao de 30 anos atrás, foi emocionante ver por alguns segundos uma instituição da música atuando novamente. Está lá, o vocal do Plant e os maravilhosos riffs de guitarra de Jimmy Page. Na verdade, não podemos fazer comparações. Temos é que torcer para que o Led Zeppelin saia em turnê e passe pelo Brasil. Sonho, não?!

Abaixo o repertório do show, que aconteceu hoje em Londres:

'Good Times Bad Times'
'Ramble On'
'Black Dog'
'In My Time Of Dying'
'For Your Life'
'Trampled Under Foot'
'Nobody's Fault But Mine'
'No Quarter'
'Since I've Been Loving You'
'Dazed And Confused'
'Stairway To Heaven'
'The Song Remains The Same'
'Misty Mountain Hop'
'Kashmir'
'Whole Lotta Love'
'Rock And Roll'"

Quer ver trechinhos do show?! O Baú do Zanini mostra:

http://www.youtube.com/watch?v=rsHcUwtw5H0&NR=1

http://www.youtube.com/watch?v=11_QgMO05vo&NR=1

Sargento Pimenta e a Banda dos Corações Solitários

2007-12-03T05:54:00.000-08:00

1967. Nesse ano o mundo passava por uma série de acontecimentos marcantes dentro da história contemporânea da humanidade. A guerra do Vietnã, o movimento hippie, a reivindicação de negros e mulheres por seus direitos. No Brasil, a ditadura começava a atuar de maneira mais repressiva.
Dentro desse contexto, os Beatles lançaram sua obra prima. Sgt.Peppers and Lonely Hearts Club Band foi o ápice da genialidade do quarteto de Liverpool. Claro que nada disso seria possível sem a presença do não menos genial George Martin, eterno produtor da banda. Ao decorrer de quatro décadas, todos os elogios foram tecidos ao álbum, que até hoje encabeça qualquer lista de discos mais importantes da história da música popular.
E amanhã, dia 4/12, Sgt. Peppers recebe uma homenagem da Band On the Run, em um show no Theatro Treze de Maio, em Santa Maria-RS. O grupo fará uma releitura na íntegra do disco, com algumas alterações de arranjos, porém, deixando a característica original de cada tema. De quebra, a Band On the Run ainda prestará uma homenagem a outro quarentão, o disco Magical Mistery Tour, lançado posteriormente a Sgt Peppers, ainda em 1967.
A Band On the Run sobe ao palco com Renato Molina (vocal), Saulo Silva(baixo e piano), Marquinhos Araújo(voz, violão e guitarra), Lauro Vinícius(voz, baixo e piano), Gílson Santos(bateria) e este que vos escreve na guitarra. O grupo ainda estará acompanhado de um quarteto de cordas e um naipe de metais.
Gostaria de convidar a todos para que se façam presentes no Treze de Maio, amanhã, à partir das 20:30.
Preciso fazer o registro de duas pessoas importantíssimas que estarão ausentes no show. Primeiro, o meu "irmão" Pedro Moreira que estará em Porto Alegre. E, em especial, a Nadine, minha namorada, companheira de todas as horas que, com certeza, iria se emocionar ao ouvir algumas de nossas canções favoritas, da nossa banda favorita.

Back to 50's

2007-12-02T20:25:00.000-08:00

Como foi noticiado no SERVIÇO, no último sábado rolou aqui em Santa Maria o show do guitarrista caxiense Rafa Schuler. Durante duas horas acompanhei-o fazendo violão base e percebi mais uma vez o tamanho da força que certas canções exercem sobre nós e o quanto elas nos transportam para determinadas épocas. Ao dedilhar os acordes de Sleepwalk, um clássico dos anos 50, que foi regravado por Jeff Beck, Brian Setzer, entre outros, me senti com oito anos. Com essa idade chorei ao assistir o filme La Bamba, em que essa música tem papel marcante dentro da trilha sonora. Uma melodia simples, porém, bela.
Após o bucolismo, houve um momento Elvis Presley, em que foram tocados alguns sucessos, como That's All Right Mama, Just Because e Suspicious Minds. Ao escutar a introdução imitando o barulho de um trêm de Mistery Train, percebi o quanto a obra de Elvis era ousada para sua geração. Uma música com aquele peso sendo lançada em 1954 era, no mínimo, um ato de extrema coragem. A interpretação do rei na versão original mostra que realmente Elvis era um cantor selvagem, com uma voz única.
Mas os aplausos mais sinceros vieram após a execução de What a Difference Day Mades, de Cole Porter. Este standard do jazz é uma prova de que, quando a música é bem feita, não há tempo que a envelheça. Será que, apesar da emergência de um número incalculável de banda a cada dia, não deveríamos voltar meio século no tempo e absorver a beleza, a arte e o prazer de se tocar uma grande canção?

SERVIÇO

2007-11-30T03:29:00.000-08:00

Inauguro agora a seção SERVIÇO aqui no Baú. Sempre que o texto postado for precedido por este título, é para noticiar algum evento interessante que esteja por acontecer aqui em Santa Maria ou nas proximidades.
Neste primeiro SERVIÇO, venho comunicar um show que vai rolar no Zeppelin, no próximo sábado, dia 01/12. O guitarrista caxiense Rafa Schuler vem à Santa Maria pela primeira vez com seu trabalho solo. O músico ficou conhecido por ter integrado a formação clássica da Lucille Band, nos anos 90. Hoje está tocando na banda Estado das Coisas e no projeto Rock de Galpão.
O repertório do trabalho paralelo de Rafa é calcado no rock dos anos 50. Elvis Presley, Chuck Berry e Carl Perkins dão a tônica do show. Vale lembrar que Rafa Schuler é formado em guitarra pela Los Angeles Music Academy, porém, a idéia é fazer uma apresentação com violões no Zeppelin.
Feito o SERVIÇO, aproveito para dizer que o guitarrista base do show será este que vos escreve. A bateria e a percussão ficam por conta do lendário Gilson Santos.
Let's Rock!

1001 discos para ouvir antes de morrer

2007-11-29T17:33:00.000-08:00

A cada fim de ano é a mesma coisa. A proximidade com o natal aflora o lado consumista de todos nós. E não adianta você dizer que é diferente, pois estará mentindo.
Já que todos gastaremos um dinheiro a mais dentro de alguns dias, uma dica é o livro 1001 Discos Para Ouvir Antes de Morrer, que bem como o título sugere, é um guia de cd's ou lp's que precisaremos dar ao menos uma ouvida durante a existência na Terra.
Em 960 páginas, estão compilados textos de mais de noventa jornalistas da área musical de todo o mundo. De Frank Sinatra a Arctic Monkeys, está tudo ali. A edição que conheci foi a anterior, que não chegou no Brasil, porém, a nova tiragem está atualizada e traduzida para português.
Claro que, dentro dos 1001 discos, há alguns muito difíceis de serem encontrados. Mas o livro sugere, na verdade, que tenhamos conhecimento de obras relevantes para suas épocas, desde os anos 50 até a atualidade.
Talvez seja um pouco de pretensão termos todos os 1001 cd's na prateleira de nossas salas, mas seria muito interessante nos despirmos de perconceitos e rótulos. Esse é o grande barato de 1001 Discos Para Ouvir Antes de Morrer. No final das contas, é tudo música.

Todas as coisas devem passar...

2007-11-29T12:55:00.000-08:00

Me arrisco a dizer que não conheço ninguém que afirme não gostar do George Harrison. John Lennon gerou a antipatia de muitos pelas declarações ácidas e polêmicas. A tentativa de liderança dos rapazes de Liverpool por parte do Paul McCartney também não foi unânime. E o Ringo? Bom...era o Ringo.
Os holofotes nunca foram jogados para cima de George. Acredito que aí esteja o segredo da admiração que eu tenho por este cidadão. Por vezes subestimado, o mais novo dos Beatles sempre teve uma cota de incluir até duas canções por disco do quarteto. Isso nunca pareceu incomodar profundamente George que, em Abbey Road, de maneira despretensiosa, compôs os dois maiores sucessos do disco, a magnífica Here Comes the Sun e Something, uma das mais lindas canções de amor já feitas.
Após a separação dos Beatles, em 1970, George surpreendeu a todos com o disco triplo All Things Must Pass, por muitos, considerado o melhor trabalho solo de um ex-integrante da banda que mudou a história do rock. O álbum emplacou a religiosa My Sweet Lord nas rádios de todo o mundo.
A espiritualidade e o despreendimento das coisas materiais fez George Harrison superar alguns traumas, como o fato de ter perdido a ex-mulher, a modelo Patty Boyd, para o seu então melhor amigo, Eric Clapton.
Passados exatos seis anos da morte de George, me pergunto se não deveríamos apagar os rancores que temos. Afinal...todas as coisas devem passar.

Pato Macho

2007-11-29T07:15:00.000-08:00

Esse é o nome de um dos mais brilhantes e desconhecidos jornais que já circularam cá no Rio Grande do Sul. O periódico esteve nas bancas de Porto Alegre durante o ano de 1971, uma época de extrema repressão por parte da ditadura e do governo de Emílio Garrastazu Médici, o mais linha-dura dos presidentes brasileiros. Tendo o humor como matéria-prima, o Pato Macho teve, ao longo de quinze edições semanais, um time editorial de dar inveja a qualquer jornal atual. Chefiado por Luís Fernando Verissimo, o Pato teve em suas páginas textos de Ruy Carlos Ostermann, Moacyr Scliar, Carlos Nobre, Rogério Mendelski, Tatata Pimentel, José Antônio Pinheiro Machado (do Anonymus Gourmet), entre outros como Paulo Odone, sim, o presidente do Grêmio.
O futebol era uma constante no jornal, que também tinha um forte conteúdo cultural. Imagine Verissimo escrevendo sobre George Harrison, ou Miles Davis e Rolling Stones. Sim, isso aconteceu no Pato Macho.
Tá, mas e porque estou falando sobre um jornal de mais de 35 anos atrás? Pelo fato de o Pato ter sido o tema da minha monografia de fim de curso. Deu uma canseira, stress, mas no final das contas sobrevivi e hoje sou orgulhoso pelo trabalho feito. O ciclo patomachense se encerra na próxima quarta-feira, às 17:30, no Campus II da UNIFRA, onde faço a defesa do trabalho diante de uma banca. Se quiserem comparecer e dar uma força, fiquem à vontade.
Antes que eu esqueça...a foto postada junto ao texto é a capa da última edição do jornal.

Sim, eu também tenho um blog.

2007-11-28T12:29:00.000-08:00

Quem me conhece sabe que sou um tanto arredio às modernidades. Meio bagual mesmo. Definitivamente o tal do "cool hunter" passa um tanto longe do meu vocabulário. Mesmo assim, cá estou com um blog. O porquê de usar "Baú do Zanini" no meu espaço virtual tem um motivo bem pessoal. No ano de 2003, graças ao amigo Márcio Grings, comecei minhas primeiras incursões radiofônicas, em um programa chamado "Baú do Rock", na extinta Pop Rock - 105.7 FM, de Santa Maria da Boca do Monte-RS. Na época tinha um quadro semanal chamado "no fundo do baú", em que eu apresentava e tocava umas velharias em cedês e elepês.

Como, aos poucos, tenho me rendido aos modernismos internéticos, resolvi homenagear o programa fazendo uma referência no nome deste blog. Não sei até quando esta brincadeira vai durar, mas vou tentar me divertir, entretendo quem aqui visitar. Mais tarde publico algo que interesse a vocês.

Sejam bem-vindos!